En impro, on pense souvent à ce qu’on joue. Beaucoup moins à ce qu’on montre.

On est dans la scène. On parle, on réagit, on cherche quoi répondre. Et souvent, on oublie ce que le public voit : une scène qui dure trop longtemps, une autre qui démarre sans apporter grand-chose de nouveau, un lieu qui ne vit pas, des corps plantés côte à côte face public, ou au contraire des déplacements sans vraie raison, un plateau sans profondeur, sans distance, sans contraste.

Bref : on joue la scène, mais il manque clairement un regard de mise en scène.

Sauf qu’en impro, ce regard-là ne vient pas de l’extérieur. Il vient de vous. En plus d’être comédien·ne et auteur·rice, l’improvisateur·rice est aussi metteur·euse en scène.

Dans ce stage, on va apprendre à faire des choix de mise en scène : couper une scène au bon moment, en lancer une autre clairement, changer de lieu, changer de temps, faire apparaître un flashback, une ellipse ou une scène parallèle, créer un contraste, jouer avec les distances, les hauteurs, les tailles imaginaires, faire exister un espace sans décor, mais avec une convention claire.

Le plateau peut aider à raconter mieux. Une transition peut révéler une information. Un flashback peut éclairer une relation. Une ellipse peut éviter dix minutes d’explication. Une scène parallèle peut créer une tension. Deux personnes côte à côte peuvent jouer un géant et un minuscule, ou deux personnages séparés par dix étages.

Faire jouer le plateau, c’est apprendre à organiser ce que le public voit : ce qu’on montre, ce qu’on coupe, ce qu’on garde hors champ, ce qu’on révèle maintenant ou plus tard.

Ce stage est pour vous si…

Vous ne savez pas comment finir une scène.

Vous sentez que vos scènes sont d'une durée égale, dans le même rythme, avec le même type d’échanges.

Vous utilisez que rarement les transitions ou pas du tout.

Vous voulez apprendre à couper une scène, en lancer une autre, déplacer le regard du public.

Vous voulez jouer avec les flashbacks, les ellipses, les scènes parallèles, sans perdre la clarté.

Vous avez envie d’utiliser davantage le plateau : les espaces, les distances, les hauteurs, la profondeur, les contrastes.

Vous voulez que les scènes ne soient pas seulement juxtaposées, mais qu’elles se répondent.

Au programme

Nous travaillerons d’abord les fins de scène : sentir quand il est temps de couper, oser arrêter avant l’épuisement (du public..), et repartir avec un angle nouveau.

Nous explorerons ensuite différentes façons de changer de scène : par une phrase, un geste, un objet, une émotion, un son, un contraste ou une conséquence.

Nous sortirons du déroulé chronologique avec des flashbacks, des ellipses, des flashforwards, des retours sur un même événement et des changements de point de vue.

Nous travaillerons aussi les scènes parallèles : deux lieux en même temps, deux actions qui se répondent, deux temporalités qui avancent côte à côte.

Enfin, nous utiliserons le plateau comme un espace de mise en scène : créer plusieurs lieux, jouer la distance, le haut et le bas, le proche et le lointain, le géant et le minuscule, sans décor réel mais avec une convention claire pour le public.